吴冠中在中国画坛，他的名字是一个闪光的坐标，标志着成就、勇气、个性、超越……八十八载春秋飞渡，他用如椽巨笔记录了人生的悲喜甜酸，也记录了时代和艺术的沧海桑田。回顾过往，他说，我这一辈子都在寻找。寻找的，是蓬勃饱满的艺术生命，是认真狂热的艺术激情，是永不停歇的艺术创新。正是这种寻找，使他成为具有深厚造诣和深邃思想的画坛巨匠，使他本该进入老年的生命，呈现出向上跃跳的青春姿态。
　　
　　想要跟上吴冠中先生的脚步几乎是不可能的，虽然他马上就将驶入88岁的生命航程，但其创造力不减，在那仍然辉煌的跃跳中，彰显出生命力的蓬勃饱满。
　　
　　不定型的思维无限
　　
　　我差不多每年春节都要去给吴先生拜年，同时看他新出版的画册。从2000年起，广西美术出版社每年为他出版一本画册，都是他上一年新创作的画。
　　
　　我至今还清楚地记得：马年的大年初一，吴先生把那第一本画册送给我时，他闪耀的目光如火焰一般明亮、灿烂!我珍重地捧起厚厚的画册，翻开来，发现一共选印了64幅作品，不由得倒抽了一口冷气：全年365天，平均每5天就画出一幅新作，而那年，吴先生已经是83岁的老人了!
　　
　　当时他还对我说：“这还不包括废掉的不满意之作。我不重复老路，不抄袭自己，必须有了新想法才动手，不然就不画。”
　　
　　我问他为何总要这么“逼”自己？又为何总能捕捉到新的东西？他让我看画册的《自序》，其中有这样一句话:“定型的形象有限，不定型的思维无限，由思维引申形式，虽难产，婴儿却应永远是新生态。”待我念完，他像是对我说，又像是自言自语：“找不到最满意的表达时，是我最苦恼的时候。有时候，似乎找到了，内心里就特别快乐；可是它又离你而去了，你就又处于痛苦之中。我这一辈子都在寻找……”
　　
　　是啊，八十多年风雨兼程的生命羁旅，一分一秒地垒筑起这位享誉国际的绘画大师的艺术高度，每一步，都艰难备至。辉煌的背后，是常人难以承受的“天将降大任于斯人也，必先苦其心志，劳其筋骨，饿其体肤，空乏其身，行拂乱其所为，所以动心忍性，增益其所不能……”
　　
　　吴冠中的艺术生涯是一支射向靶心的箭———“开弓没有回头箭”的箭，一辈子不偏不移地、就奔着这一个目标的箭。
　　
　　1919年，吴冠中降生于江苏宜兴一个贫穷的小村子，父亲是教书兼务农的一名穷教员，随着弟弟妹妹的不断增多，家里的生活越来越清贫。吴冠中从小学、初中、高中、大学，一路考上去，经常是第一名。1946年，国民政府教育部选派战后第一批留学生赴欧美留学，吴冠中瞄准了留法绘画系的两个名额，果然又如愿考上了。他成为父亲的骄傲与希望，乡人也都说：“茅草窝里要出笋了。”
　　
　　他和绘画的关系，可说是生命里的基因，前生投缘的关系———绘画不是他的学业、专业、职业、事业、伟业，而是他的呼吸、他的生长、他的活着、他的身家性命、他的存世意义。有三个细节给我留下了不可磨灭的印象：
　　
　　一是抗战时期在昆明，敌机来轰炸，全校师生都上山去躲避，只有吴冠中苦苦恳求图书馆管理员，让他将自己反锁在馆内，临摹古人画册。那独自对话经典的自在滋味，至今仍在他心头畅快地荡漾着。
　　
　　二是上世纪60年代，一次南下广东写生回京，吴冠中将他画的一包画立在座位上，自己则站在旁边以手相扶。站了三天三夜，下火车时腿、脚都肿了，可是他心里高兴，庆幸作品们终于平安到家了。
　　
　　三是上世纪70年代，吴冠中的岳母在贵阳病危，他好不容易请下假来，携妻前往探视。途经阳朔时，他太想画桂林了，遂中途下车，盘桓一天。谁知天雨不停，他叫夫人打伞遮住画板，俩人则淋在雨中，任雨丝打湿衣衫。后来刮起大风，画架实在支不住了，怎么努力也画不成了，极度失望之下，吴冠中竟哭了起来!
　　
　　这是我唯一一次听到吴先生说起他的哭。
　　
　　这同一的悲切，在2005年，在吴先生家中，又真实地上演在我眼前。那是国庆节期间，他大病后身体有所好转，我去探望他。那年春上的一场重感冒引起一些并发症，大夫强迫他住进医院。对于这辈子一天也没闲过的吴冠中来说，不能画画了，就整日烦躁不安。后来争取回到家，却发现孩子们怕管不住他，干脆把大画案撤了，于是吴先生更加痛苦不堪。
　　
　　他严肃地瞪着我，打着强烈的手势，激愤地说：“上帝的安排不好，对生的态度积极，给予生命、母爱、爱情；可是对死的问题就不管了，人老了、病了、痛苦了也不闻不问。我认为生命是个价值过程，在过程中完成价值就可以了，鲁迅先生只活了56岁，作出的成绩远远超过长寿之人。我们为许多人可惜，是他们做的事没完成，如果完成了，不非得痛苦地活那么长。”
　　
　　我望着他越发消瘦的身躯在衣衫里面强烈地抖动，虽然腰板还挺得笔直，但胳膊细得只剩下了骨头，让我见证到“形销骨立”这个词。于是我竭力寻找着，想拣几句能够宽慰他的话。不待我开口，他又像是对我说，又像是自言自语：“我就是进入不了老年生活———叫我养花、打牌，不行!叫我休息、不做事，不行!回想这辈子最幸福的时期，就是忘我劳动，把内心里的东西贡献出来的时候。现在思维、感情不衰败，还越来越活跃，可是身体的器官老了，使不上劲了，这是最痛苦的晚年。”
　　
　　不过，在那段“最痛苦”的日子里，吴冠中也不管不顾，左冲右突。最后，火山终于找到了突破口，辉煌的岩浆喷发而出，一泻千里———他又一次绝处逢生，找到了“字画”的新形式。
　　
　　比如一幅作品，画面上只有“土地”两个字，但它们不仅是写出来的，也是画出来的，是字和画的合一。它们与吴先生过去的书法、绘画都不一样，但一眼又能看出还是他的笔墨，吴冠中神韵在焉。
　　
　　他观察出我赞许的表情，也很高兴，遂解释说：画不成大画了，精神好的时候，他就画了一批这样的小字画。最初的想法缘起，是在今天，很多人看不懂篆字了，吴先生就想到要探索把简体汉字变成艺术构成的新路，让普通老百姓都能欣赏。
　　
　　至于“土地”二字，是他在医院的病床上，翻来覆去构思的，那年正是纪念抗日战争胜利60周年，广播、电视、报纸里都在讲述这件事。由此，吴冠中想到我们这片土地上的人和事———英雄，先烈，人民，是多么厚重啊，因此这两个字里，凝聚着非常多、非常多的感受!一回到家里，他就迫不及待动手画出来，一心想看看自己的创新之路，还能否走得通……
　　
　　时隔一年后，我再次去看望他。一进门，就发现吴先生的这批“字画”又有了新变化，“又滚动式向前发展了”。
　　
　　比如《羊肠道》，除了这三个汉字之外，画面上又添上了荒草、野花、灰的色块和黑的线条，这些都是吴冠中绘画中的基本语言，如今它们又都搬家回到了这里。又如《黄河》，黑色的字的确是汉字“黄河”，同时又是一艘正在黄河激浪中搏击的航船，黄的、白的色块点染出云朵、云层、波涛，构成了一幅新颖别致的画面。吴冠中把字和画浑然结合起来了，字，仿佛是骨架，支撑起天庭宇宙；画，宛如血肉体肤，浸润着大地的每个角落，使人生长出了全世界都被拥抱的感觉。谁能想到，这些画不了大画而不得不为之的小幅字画，竟又一次开启了吴冠中“衰年变法”的艺术闸门呢!
　　
　　“有朋友看了这批新作，觉得我是又找到了一种新形式，还有空间可以发展。”说到这里，吴先生的脸色好了起来。“我不能闲着，闲了不会活。现在我谢绝一切采访、会议，不再出头露面，只是思考、画画。探索其乐无穷。我绝不能辱没过去的作品，一定要超过过去，给后人新的启发。我只能往前走，停下来不好活，后退更没有余地。”
　　
　　血液里的“不安宁粒子”
　　
　　吴冠中的血液里有一种特殊的东西，叫做“不安宁粒子”，或者也可以说是“不安分”吧。他的血液只要一经“艺术”这个导火索点燃，马上就会沸腾起来。用他自己的话说，“像含羞草，一碰就哆嗦。”
　　
　　他当了一辈子美术教师，从第一天做助教开始，直到耄耋之年的最后一次登台，其特色始终没有变，一上讲台就激动，越讲越兴奋，就像陷在恋爱中，不能自拔。
　　
　　其他，只要一涉及“艺术”，他马上就变成奋起的雄狮，谈话也激动，写文章也激动，更不用说画画了。多少年养成的习惯一直持续到今天，他作画，往往早餐后即开始，一直画到下午、傍晚、深夜，其间不间歇，不休息，也不吃饭喝水，何时画完何时才回到“人间烟火”。艺术是他永远的新娘，初恋的狂热一直持续到黄昏恋，始终恋不够。
　　
　　这样的性格，这样的执著，不在他身上发生点事，简直就是不可能的。小的挫折和坎坷当然不断有，后来比较重大的有两件，一是那场旷日持久的“《炮打司令部》假画案”，一是“笔墨等于零”的讨论。
　　
　　对于上世纪90年代初期到中期的那场假画官司，吴冠中起初完全没有思想准备。明明是别人伪造出来的拙劣之作，假冒吴先生的名字卖了52.8万元港币，还被卖家扬扬得意地宣扬，谁能不动气？他的单位中央工艺美术学院出面替他打官司，吴先生信心百倍，因为他觉得朗朗青天之下，假的还能变成真的？谁知利润和利润支配下的权力这两个魔鬼的能量无比强大，翻手云覆手雨，指着鹿说是马，结果，几度风雨几度春秋，官司久拖不判，吴冠中被整得不胜其烦，愤而写下万字长文《黄金万两付官司》，亲自送到光明日报社发表。最后，这场全国首例假画官司在中央首长的直接过问下，最终还是真理战胜了金钱。可是，被拖得身心俱疲的吴先生内心并无兴奋，反而悲哀有加，“一寸光阴一寸金，七十五岁晚年的光阴，实在远非黄金可补偿，黄金万两付官司。我低估了人的生命价值!”
　　
　　在这里，当然不是他“低估了人的生命价值”，吴冠中是在谴责那些“图财害命”之徒———鲁迅先生早就说过：“时间就是生命。无缘无故耗费别人的时间，和谋财害命没什么两样。”何况，这是真正的为了图财而不惜公然践踏一位艺术家的尊严；更何况，这是一位视艺术为生命的艺术家，他年事已高，已经是豁出命地和时间搏斗着。因而，这场官司对他来说，是双倍的损耗，也是双倍的犯罪!
　　
　　而对于至今仍在争论的“笔墨等于零”，吴冠中当初确曾想到了会引起不同意见，可也没想到会掀起这么大的波澜。“笔墨等于零”本是学术范畴内的长时间思考：千百年来形成的中国画传统，必须薪火传承下去；但是面对一成不变的构图和技法，连我们这些外行都感到是陈旧的“老套子”，更别说界内有识之士了。吴冠中思考了多年，终于对“用笔墨衡量一切”的标准提出否定，他指出：“脱离了具体画面的孤立的笔墨，其价值等于零。这话怎么理解呢？两个层次，一，构成画面，其道多矣，点、线、块、面都是造型手段，黑、白、五彩，渲染无穷气氛，孤立的色无所谓优劣，品评孤立的笔墨同样是没有意义的。二，笔墨只是奴才，它绝对奴役于作者思想情绪的表达，情思在发展，作为奴才的笔墨手法永远跟着变换形态。所以，脱离了具体画面的孤立的笔墨，其价值等于零，正如未塑造形象的泥巴，其价值等于零。”
　　
　　这道理，听起来非常好理解，可以说是人人都看在眼里、人人都还没有思考到的问题，现在被吴先生一语道破天机，人们应该感谢他才是。可是却相反，争论四起，甚至超出绘画界，成为社会普遍关注的一个事件。批评吴冠中的声音很响亮，老、中、青，画家、理论家都有，也有吴冠中多年的老朋友、老同事、老战友，他们的观点是“应该守住中国画的底线，不能用虚无主义的态度对待国粹”。
　　
　　这当然是一件好事，学术之争，越争越接近真理。能统一思想，最好；不能说服对方，也起到互相交流的作用；还能启发文化界和读者举一反三，思考一些相关联的问题，多好啊。
　　
　　吴冠中也是这么看的。他认为这是讨论重要的文化问题，关系着中国画的前途和出路，也旁及文学、艺术等领域。借此机会，他也把多年的思考整理了一番：
　　
　　他说：“笔墨本来是手段，但是中国绘画界逐渐形成了一个习惯，就是用笔墨来衡量一切，笔墨成了品评一幅画好坏的唯一标准，这就说不过去了，因为每个时代、每个时期的笔墨标准不一样，怎么衡量？比如唐宋的笔墨就不同，到底哪个比哪个好呢？不好说。所以我说，笔墨要跟着时代走，时代的内涵变了，笔墨就要跟着变化，要根据不同情况，创造出新的笔墨，还有其他新的手段，为我服务。”
　　
　　我问他：“不学笔墨，学什么呢？”
　　
　　他应声而答：“学表现。要学会怎样表现出自己的感情，不择手段，择一切手段，表达视觉美感及独特情思，产生出自己的风格，形成自己的风格。能把自己的感情很好地传达给别人，能打动人，就是成功了。在这过程中，笔墨是自然形成的，笔墨按题材分，应是感情产生笔墨，而不是用技法套感情。”
　　
　　我又问：“零是什么？”
　　
　　他又不假思索答：“零是标准。没有统一标准来代替，没有共性的价值等于零。”
　　
　　问：“您的标准是什么？”
　　
　　答：“作品的感情。不管是用什么手段表现的，只要传达出来了，就是好的。在我，语言、手段、工具，都不是主要的，我是看效果，看能不能感动人，震撼人。”
　　
　　问：“效果怎么看？”
　　
　　答：“素质，功力，题材，技法……要综合起来看。等于一部文学作品，说教不能感动人，最后要看总体效果。”
　　
　　我说：“这么一比喻，我算彻底明白了。比如文学创作，我记得老舍先生和叶君健先生，他俩认为语言是最重要的，可是别的作家各有各的条件素质、不同情况，不都是以语言取胜的。我接受您的这个说法，看综合效果，看总体表现。”
　　
　　吴先生最后强调说：“我的意思是强调发展，要不断前进，不发展是保不住自己的。必须发展，必须革新，不然就是死路一条。”
　　
　　这也就是吴冠中不断逼迫自己“变法”的内在动力吧？
　　
　　最重要的是思想
　　
　　吴冠中其实还有一个人生理想：当一名作家。
　　
　　他最佩服的作家是鲁迅，认为鲁迅先生的作品既有思想又有感情，具有唤醒中国人灵魂的震撼性力量。为此，他甚至说过：“一百个×××\(指某著名画家———作者注\)的社会功能，也比不上一个鲁迅。”“多一个少一个×××无所谓，但是鲁迅不能少。”
　　
　　88个春秋飞渡，吴冠中早就成了大画家，也成了著名作家。他已在北京中国美术馆、香港艺术馆、大英博物馆、巴黎塞纽齐博物馆、美国底特律博物馆等处举办个展数十次，在国内外出版画集、文论集、散文集近百部，多次荣获国内外艺术奖、文学奖，还获得了法国文化部最高艺术勋位，被选为法兰西艺术院院士，等等。但他认为，做成“家”不是目的，做成“大家”也不是人生理想。最重要的是思想，一个优秀的文艺家，首先应该是一个深刻的思想家。
　　
　　他永远也忘不了当年留学欧洲时碰到的一件事：那天，他坐在伦敦红色的双层公共汽车上，待售票员来售票时，他将一枚硬币交给她。这时旁边的一位英国“绅士”递过一张纸币买票，售票员顺手将吴冠中刚才交给她的那枚硬币递给他，谁知“绅士”大怒，拒绝接受这枚中国人拿过的硬币……这侮辱性的一幕像尖刀一样插在吴冠中心上，淌着血，一直记忆到今天。国家不强大，就要受人欺侮；个人没本事，就要受人轻慢；我古老的祖国啊，什么是你最正确、最迅捷的发展之路呢？
　　
　　吴冠中将思考埋在心底：过去世界看不起中国，中国陈陈相因的传统审美，又的确狭隘，让人看不起。他憋着一口气，一定要“拿来”，借鉴，改造，创新，不用传统笔墨，画出传统精神，重新光大灿烂的东方文化，让全世界真正认识到她的价值———这是他创作的思想底线，也是他一辈子孜孜矻矻、始终不渝的艺术“长征”。不了解他的人看他整天写写画画，涂涂抹抹，一辈子和颜料、色彩打交道，殊不知，他从来就不是一个只为艺术而艺术的“技术主义”的画匠，也不是一个单纯吟诗弄月的“自我娱乐”式的文人。他的眼睛紧密关注着时代的进程，思考从未停止过。在多年的接触中，他的思想经常是灵光一闪，随口就跟我谈起他对许多事物的看法，不乏心得独运的真知灼见，我在这里复述几节与读者共享：
　　
　　■我有两个观众，一是西方的大师，二是中国老百姓。二者之间差距太大了，如何适应？是人情的关联。我的画一是求美感，二是求意境，有了这二者我才动笔画。我不在乎像和漂亮，那时在农村，我有时画一天，高粱、玉米、野花等等，房东大嫂说很像，但我觉得感情不表达，认为没画好，是欺骗了她。我看过的画多矣，不能打动我的感情，我就不喜欢。